The Recorder – Clark Art Institute dévoile 160 ans d’art français capturé sur papier
Il y a une vive nostalgie d’une époque lointaine où vous entrez simplement dans un musée, un théâtre ou un magasin et vous vous familiarisez avec 100% du visage d’une personne. Pas plus. En entrant au Clark Art Institute de Williamstown, comme dans de nombreux lieux, les visiteurs de plus de 12 ans doivent présenter une carte de vaccination. Si vous êtes sans fioritures, des masques sont fournis.
Du romantique au risqué, de Mary Cassatt à Toulouse-Lautrec, vous pourrez découvrir jusqu’au 6 mars une centaine d’images de la progression artistique française dans la culture de la reproduction multiple de l’image.
« Il y a ces moments où la gravure prend toute son importance », a déclaré la conservatrice Anne Leonard lors d’un bain de foule. « Le premier grand moment est juste avant la Révolution française. »
Leonard a été nommée pour superviser la collection de quelque 6 000 photographies, gravures et dessins de l’institut en 2018. Alors qu’elle se familiarisait avec une mer de gravures, de gravures et de lithographies anciennes en couleurs, elle a été inspirée pour créer cette étude définitive de l’art sur papier.
« J’ai été stupéfait par la qualité et la variété (de ces œuvres) », a déclaré Leonard, « et j’ai pensé : « Est-ce que cela ne ferait pas une belle exposition ? » »
Elle s’arrêta devant une gravure coloriée à la main de 1771 de Madame du Barry, maîtresse officielle de Louis XV. Vêtue de ses plus beaux atours, elle sourit d’un air béat en recevant une demi-tasse de son serviteur Zamor. Facilement confondu avec une peinture, plusieurs impressions de cette élégance seraient créées, se vendant à des prix qui donnent à réfléchir.
« Ces œuvres étaient des symboles de statut et n’étaient accessibles qu’aux plus hauts échelons de la société, aux aristocrates et à la noblesse », a déclaré Leonard. « Bien sûr, ils sont tous sur le point de perdre la tête. »
Pas au sens figuré, mais au sens propre. Ce qui est révélateur dans ce portrait, c’est que du Barry serait trahi par ce jeune homme. Elle faisait partie des 10 000 personnes estimées dont la dernière vue terrestre était la guillotine.
Mais tout n’était pas portraits et paysages. Il y avait aussi de l’humour. Une image populaire de 1786, « Les deux baisers », montre un homme âgé rayonnant devant un portrait de lui-même avec une jeune femme, ignorant que derrière lui, son artiste frappe la main de la beauté.
D’autres gravures populaires, non montrées ici, ont voyagé dans les cotes R et au-delà, représentant souvent des amants surpris par, eh bien, le pire moment possible. Les gravures en couleur étaient également d’une utilité académique pour représenter des études botaniques et biologiques.
La Révolution française, qui a duré 10 ans de longue haleine, a ravagé l’économie et dévasté l’équipement de la classe supérieure. Parmi les causalités figurait l’industrie de la fabrication de gravures colorées en raison de leur lien avec les riches.
« Pendant environ 80 ans, vous ne voyez pas de gravure couleur en France », a déclaré Leonard.
La gravure et la gravure sont des processus compliqués, d’autant plus si la couleur doit être pressée mécaniquement sur du papier. La gravure nécessite de tracer des images sur une plaque de métal, tandis que pour la gravure, une résine est appliquée sur la surface. L’artiste pénètre la résine au stylet ou au burin et un bain d’acide découpe ensuite le métal. Pour que les couleurs soient ajoutées mécaniquement, plusieurs plaques sont nécessaires. Le défaut de chaque processus est que l’image finit par s’user.
La lithographie a été inventée en Allemagne à la fin des années 1790. En termes simples, il fonctionne sur la dynamique de l’eau repoussant la graisse. Une image, créée avec un crayon gras sur de la pierre ou du métal poreux, peut continuer à être imprimée, sans détérioration, jusqu’à la fin des temps. L’espace vide était l’endroit où l’eau ne contenait aucune image et le papier était ensuite séché. Parmi les premières utilisations de l’invention figuraient la création de cartes et de multiples copies de partitions.
En 1820, ce moyen de reproduction en série extrêmement peu coûteux a créé un boom maniaque pour une utilisation dans les menus, les horaires et pratiquement tout ce qui nécessite du texte et des images. Plus tard dans le siècle, l’impression en quadrichromie a évolué et l’utilisation de grandes feuilles de zinc a permis d’imprimer des affiches publicitaires dans des formats géants.
Les plus connus des centaines d’affichistes parisiens étaient Jules Cheret et Henri de Toulouse-Lautrec. Ces rendus, sur papier bon marché, faisaient de la publicité pour des articles aussi divers que des vélos, des papiers à rouler et le fameux Moulin Rouge. Bien que leur travail ait d’abord été rejeté comme « l’art de la rue », avec le temps, les sophistiqués ont considéré ces affiches brillantes et brillantes comme des œuvres louables. Des éditions plus petites, sur du papier bien meilleur, sont devenues des objets de collection importants.
« C’est un grand pas en avant pour faire passer les impressions couleur pour les beaux-arts, car auparavant elles étaient dédaignées », a déclaré Leonard.
Cheret, considéré comme « le père de l’affiche moderne », possédait sa propre entreprise d’impression, contrôlait totalement ses images et est crédité de plus de 1 000 rendus. D’autres illustrateurs créaient souvent une image sur papier qui était ensuite traitée par un intermédiaire. Vivant jusqu’à l’âge de 96 ans, l’artiste a reçu la Légion d’honneur du gouvernement français pour ses innovations dans la création d’une nouvelle forme d’art.
Toulouse-Lautrec est né dans la richesse et formé classiquement à la création de portraits et de paysages. Les images dont il se souvient le mieux, cependant, concernent ses interprétations des chanteurs, des danseurs et de la vie nocturne du Moulin Rouge. Ses œuvres diffèrent radicalement de l’imagerie détaillée, festive et exubérante de Cheret. Le style de Toulouse-Lautrec est plus audacieux et plus graphique, utilisant de grands blocs de couleur pour afficher des chiffres.
Le Français a également été le pionnier de plusieurs techniques d’affiches. Sa fascination pour la basse vie parisienne a sans doute contribué à sa mort prématurée à l’âge de 36 ans.
L’exposition présente huit des Cherets de collection et un nombre égal de Toulouse-Lautrec.
Cette période, « La Belle Epoque », le « Bel Âge », s’étalant sur quelque 40 ans et se terminant à la Première Guerre mondiale, était une période passionnante pour être à Paris, même si elle manquait de climatisation et de pénicilline.
Les modes de peinture sont fréquemment révisés et les influences sur les artistes sont larges, arrivant même de l’autre bout du monde. Avec l’ouverture du Japon au monde occidental en 1853, l’une des nouvelles révélations fut son art de la gravure sur bois. Ces œuvres ont été collectionnées par les impressionnistes et ont à leur tour influencé une grande partie de leur approche de l’art. À ne pas manquer, une trentaine d’exemples impeccables de gravures sur bois datant du début du XIXe siècle, présentant des formes antiques de la technique ainsi que le minimalisme moderniste. Cette exposition, qui fermera le 30 janvier, est située dans le bâtiment Manton de l’institut, à quelques pas des galeries principales.
Parmi les révisionnistes, il y avait le « Nabi », une société de jeunes artistes qui a pris le nom du mot hébreu pour « prophète ». En termes simples, ils ont choisi de revitaliser l’art, en faisant passer la forme de l’impressionnisme désormais vieillissant au modernisme. L’une de leurs croyances était que les images nécessitaient une intégration mélodieuse de la ligne et de la couleur, et ils étaient forts en spiritualisme et en mysticisme.
On trouve des exemples des quatre artistes qui appartenaient à ce culte dans une galerie de lithographies commandée par le marchand d’art parisien Ambroise Vollard. Il est connu pour avoir contribué à faire avancer la carrière de poids lourds comme Pablo Picasso et Henri Matisse. À la fin des années 1890, il envisage de publier une série de portfolios Nabi avec les estampes de Ker-Xavier Roussel, Pierre Bonnard, Maurice Denis et Edouard Vuillard.
« Ces quatre artistes ont pris des directions très différentes, mais ils faisaient tous des beaux-arts extrêmement sophistiqués », a déclaré Leonard.
Beaucoup de ces œuvres sont rarement montrées, compte tenu de la fragilité de leurs couleurs subtiles à la lumière.
« C’est un grand plaisir de les mettre en avant », a noté le conservateur.
Une lithographie de Vuillard, « … Interior with Pink Wallpaper », est une hallucination d’une pièce avec une vague forme humaine et une lumière de lampe confinée. Regardez de plus près et il y a une curieuse profondeur d’images dans le mur. Beaucoup de ses œuvres sont si oniriques que les images sont aussi subtiles qu’un souffle sur du verre.
Comme Leonard l’a souligné, à cette époque, ces artistes maîtrisaient parfaitement ce processus d’impression.
Elle a expliqué qu’il y avait eu une inquiétude de longue date quant à savoir si les images lithographiques étaient de l’art réel.
« C’est complètement résolu à ce stade », a déclaré Leonard. « Les impressions couleur sont désormais tout à fait légitimes. »
Ce qui était aussi résolu pour Vuillard était de ne plus jamais reprendre un tel projet, initialement prévu comme une édition limitée de ces estampes.
« Vuillard a perdu beaucoup d’argent », a déclaré le conservateur. «Ils étaient une perte financière complète pour lui. Il n’a pas pu trouver un moyen de le rentabiliser.
En 1900, les Nabis organisent une dernière exposition et le mouvement disparaît alors.
« Courants concurrents » présentant des gravures sur bois japonaises se poursuit jusqu’au 30 janvier. « Hue and Cry : la gravure française et le débat sur les couleurs » se poursuit jusqu’au 6 mars. Ouvert du mardi au dimanche, de 10 h à 17 h Entrée gratuite jusqu’en janvier. Les réservations à l’avance sont recommandées sur clarkart.edu. Cartes de vaccination obligatoires pour les visiteurs de plus de 12 ans.
Don Stewart est un écrivain indépendant qui vit à Plainfield. Il écrit pour le Greenfield Recorder depuis 1994.